Surréaliste, Giorgio de Chirico ?

GIORGIO DE CHIRICO, SOUS LE SOLEIL EXACTEMENT

Extraordinaire exposition Giorgio de Chirico à la Fundació CaixaFòrum de Barcelone : luminosité, humour, classicisme, beauté des formes, décalage...

Rien à voir avec un Dalì, qui joue, lui, sur les illusions d’optiques. Ni avec le surréalisme en général, qui s’escrime à vouloir exprimer l’inconscient. De Chirico est surtout un peintre profondément méditerranéen, concret, sensuel et terrien, tout le contraire d’un cérébral.

Faute de mieux, puisqu’en ces temps de marketing il faut une étiquette vendeuse, on lui a collé une étiquette de « peintre métaphysique » qui reste bien superficielle.

Je trouve qu’il rejoint plutôt les peintres de la solitude humaine, dans ce qu’elle a d’éternel et de magnifique, l’homme et sa superbe, pourrait-on dire en jouant sur le double sens de « superbe ».

Cet espèce de soleil éternel, dû aux éléments surexposés de chacun de ses tableaux, crée des perspectives selon le degré d’ombre et de lumière écrasante et met en valeur la beauté des formes – c’est toute la singularité de Giorgio De Chirico.

Ça rejoint aussi, pour moi, les tableaux de Balthus et leur rêverie figée dans l’instant, ceux d’Edward Hopper aux architectures écrasantes ou trop ensoleillées où l’homme est encadré et isolé par ses propres constructions et médite sur son destin dérisoire, ceux, sensuels, de David Hockney, pour la luminosité et la géométrie de ses piscines californiennes sur fond de villas blanches, et même ceux de Marius Borgeaud, dans sa manière d’isoler et d’accentuer les accessoires, montrant que la réalité n’est qu’un décor.

CLASSIQUE, L'HUMOUR EN PLUS

Et puis, il y a l’ironie sous-jacente, l’humour. Dans une interview De Chirico explique comment lui était venu l’idée de son tableau avec un fauteuil, une chaise devant une grande armoire au milieu d’une sorte de plaine désolée : « Je me promenais dans la rue et j’ai vu ces meubles mis sur le trottoir, je trouvais qu’ainsi, hors contexte, on en voyait toute la beauté et toute l’absurdité. »

On a attribué son attirance pour les temples grecs ou les allusions mythologiques diverses (celles de Cocteau, en particulier, qu’il a illustrées) au fait qu’il était né à Athènes, où il a vécu jusqu’à ses 19 ans, mais en réalité, l’originalité de son oeuvre vient surtout de son côté autodidacte, qui, tout comme David Hockney, lui a fait scruter les tableaux qu’il admirait, et chercher à en comprendre techniquement tous les secrets.

Son oeuvre est une étude, une réflexion et une synthèse brillante de toutes les écoles picturales et de tous les sujets et les genres, tant dans la tradition italienne que dans la flamande.

C’est une nomenclature revisitée et modernisée des constantes, que se soient la statuaire, la mosaïque, le dessin, les grands mythes grecs, les natures mortes, les paysages, les portraits à la Franz Hals ou les autoportraits ironiques à la Rubens et à la Rembrandt, le tout dans cette volupté, cette sensualité des formes et des couleurs qui font que chacun de ses tableaux est une mise en abyme et une synthèse de la beauté picturale dans ce qu’elle peut avoir de plus convenu et de plus extraordinaire à la fois : « Tout le monde croit que la fantaisie, c’est le don d’imaginer des choses qu’on n’a pas vues. Pour un peintre et un artiste en général, c’est le pouvoir de transformer ce qu’on a vu. »

©Sergio Belluz, 2017, le journal vagabond (2017).

Illustrations :

- Meubles dans la vallée (1968)

- Orphée, Pénélope et Télémaque (1970)

- Bain mystérieux (1974)

- Le Repos du gladiateur (1968)

- Oedipe et le Sphynx (1968)

- Campo Santo Stefano en songes (1973)

- Le Retour d’Ulysse (1973)

- Vision métaphysique de New York (1975)

- Venezia, Isola San Giorgio (1957)

- Minerve avec fruits (1973)